EL EFECTO COLLIER

Ph: Martin Harris

EL EFECTO COLLIER

Reflexión sobre el caso de Jacob Collier por Vania Torrez de Music Vision Academy - Music Vision Project

Hay artistas que no solo tocan música: la transforman. Jacob Collier es uno de ellos. Su nombre se ha vuelto sinónimo de creatividad desbordante y emoción compartida. Ese fenómeno que genera en quienes lo escuchamos y estudiamos lo llamo hoy: El Efecto Collier.

Quién es Jacob Collier

Jacob nació en Londres en 1994, en una familia donde la música no era solo arte, sino forma de vida. Su madre, Suzie Collier, es violinista y docente, y su influencia fue fundamental en su formación. Estudió en la Purcell School for Young Musicians y en la Royal Academy of Music, aunque gran parte de su aprendizaje lo construyó en casa, explorando armonías, grabaciones y experimentos que luego se volvieron su sello.

Lo que me parece más fascinante de Jacob es cómo combina rigor y juego. Cada sonido, cada acorde, cada ritmo parece calculado… y al mismo tiempo, invita a cualquiera a formar parte de la música.

El detonante del éxito

Todo cambió en 2012, a sus 18 años, cuando publicó en YouTube un arreglo de Don’t You Worry ‘Bout a Thing de Stevie Wonder. Ese video lo hizo viral y llegó a Quincy Jones, quien se convirtió en su mentor. Su primer álbum In My Room, grabado íntegramente en casa, le dio dos Grammys y consolidó su lugar en la vanguardia musical.

Hoy, con su proyecto Djesse, explora mundos sonoros distintos en cada disco, ganando premios y la admiración de músicos de todo el mundo. Pero lo que realmente me impacta es cómo, más allá de los Grammys, su música enseña sin palabras.

El fenómeno Collier en vivo

Si alguna vez viste un concierto de Jacob, sabes que no es un show tradicional. Él dirige al público como un coro gigante, creando armonías complejas en tiempo real. Cada persona se vuelve parte activa de la música. Ese momento, que parece magia, es el núcleo de lo que yo llamo El Efecto Collier: la capacidad de hacer que la música deje de ser un objeto distante y se convierta en experiencia pública y viva.

Más que música: Inspiración 

Collier no solo innova con armonía o técnica; inspira a músicos y docentes a mirar la música con ojos de descubrimiento. Nos recuerda que tocar, escuchar y crear son procesos conectados, donde la curiosidad y el disfrute son tan importantes como la teoría.

El cierre del efecto

Lo más poderoso es que su música no solo se escucha: se vive. El Efecto Collier ocurre cuando un coro entero respira en la misma armonía, cuando un estudiante descubre nuevas posibilidades en su instrumento, o cuando alguien vuelve a creer que la música es un lenguaje que todos podemos hablar. Jacob Collier no es solo músico; es un despertador de oídos y creatividades.

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Fotografía de Martins Harris

 

CUANDO PARAR ES SABIO: REFLEXIÓN PEDAGÓGICA DESDE EL CASO DE LEWIS CAPALDI

 CUANDO PARAR ES SABIO: REFLEXIÓN PEDAGÓGICA DESDE EL CASO DE LEWIS CAPALDI

Por Vania Torrez  de Music Vision Academy - Music Vision Project

Lewis Capaldi, cantante escocés de gran impacto mundial, vive con síndrome de Tourette, una condición neurológica que provoca movimientos y sonidos involuntarios. Aunque no tiene cura, se sabe que los síntomas se intensifican con detonantes como el estrés, la ansiedad, el cansancio y la presión emocional.

En pleno ascenso artístico, Capaldi decidió detener su carrera. Muchos se preguntan: ¿parar en ese momento es perder? La respuesta es no. Parar es sabio cuando la persona necesita sanar. El éxito no se mide solo en escenarios abarrotados, sino en la capacidad de priorizar la vida y el bienestar.

Aquí surge un aprendizaje clave para la pedagogía: el rol del maestro no termina en la técnica. Acompañar también significa tener la valentía de sugerir pausas cuando la actividad misma provoca crisis. Decir “tu salud importa más que este concierto” es un acto de coraje docente.

El público de Capaldi mostró que la fidelidad no se quiebra cuando un artista se detiene. Al contrario, crece. Este gesto nos recuerda que el vínculo humano siempre es más fuerte que la perfección técnica. Lewis Capaldi volvió a los escenarios después  de dos años, el 27 de junio de 2025, en Glastonbury, con gran éxito y sin crisis, demostrando que las pausas también son parte del camino hacia adelante.

Detenerse no es rendirse, es un acto de cuidado profundo. Como educadores, debemos sostener a nuestros alumnos en sus logros, pero también en sus pausas. Porque la persona, siempre, es más importante que la meta. 🤗

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CUANDO UNA VOZ SE REVELA: EL AGUDO QUE SORPRENDE

 CUANDO UNA VOZ SE REVELA: EL AGUDO QUE SORPRENDE

Reflexión pedagógica sobre el caso de Kim Eun-jae (Ejae) y su debut con "Golden" en K-Pop Demon Hunters

Por Vania Torrez de Music Vision Academy -Music Vision Project.

Ejae, cantante y compositora de 33 años, es la voz de Rumi en K-Pop Demon Hunters, donde su interpretación de Golden cautivó a audiencias de todas las edades y alcanzó el número 1 en Billboard. Desde muy pequeña mostró un talento innato para el canto y, tras realizar numerosas audiciones, ingresó a SM Entertainment alrededor de los 11 años con el objetivo de convertirse en cantante. SM Entertainment es uno de los sellos más importantes de Corea del Sur, reconocido por formar y entrenar jóvenes artistas hasta convertirlos en profesionales del K-Pop. Ejae permaneció en un entrenamiento intensivo durante más de una década, hasta decidir continuar su camino creativo de manera independiente. Además, es conocida por haber compuesto éxitos como Psycho de Red Velvet, Drama de aespa y Last Waltz de TWICE.

Su interpretación en Golden evidencia un rango vocal impresionante: desde un grave E3 hasta un agudo A5, recorriendo con seguridad su registro natural de contralto y extendiéndose por los registros de mezzo y soprano, superando los límites habituales. En How It’s Done, otra canción del proyecto, alcanza un D6, demostrando el control y la amplitud de su técnica vocal.

Ejae relató en su entrevista con Good Morning America que lloró mientras hacía el demo de Golden, porque reflejaba su historia personal. La letra, inspiradora, transmite el mensaje “no more hiding, now I’m shining”, un reflejo de su perseverancia y transformación artística. La artista comparte que se felicitó a sí misma con un simple “lo has hecho bien”, reconociendo el recorrido que la llevó a este momento de éxito.

1. ¿Cuál fue la clave que llevó a Ejae al éxito?

La clave fue su capacidad de adaptación consciente. Aunque Ejae ya era compositora de grandes éxitos, nunca había debutado como cantante principal hasta este proyecto. Aceptó el reto con plena consciencia de lo que se requería: interpretar con presencia y seguridad, cumpliendo con las expectativas de los productores y con la exigencia de su propio estándar artístico. En sus palabras: “ok, voy a sacar la Beyoncé que hay en mí”. Este enfoque demuestra que la adaptación no se trata solo de ajustarse al contexto externo, sino de reconocer y activar los recursos internos que permiten un desempeño excepcional.

2. ¿Evolucionar como artista es más que una adaptación?

Sí, evolucionar implica preparación y recursos. El reto de Ejae no fue improvisar; se apoyó en más de una década de entrenamiento y en su conocimiento profundo de la música y la composición. Su participación como co-compositora de Golden le permitió integrar técnica, expresión y creatividad, asegurando que la ejecución no solo fuera segura, sino también auténtica y emocionalmente fluida. Esto ilustra que aceptar un reto sin preparación es distinto de asumirlo con la solidez de años de práctica; la diferencia se refleja en la calidad artística y en la seguridad física y vocal de la intérprete.

3. ¿Cuál es la mirada pedagógica respecto del uso de la técnica vocal en Golden?

El caso de Ejae demuestra que el dominio previo de la técnica vocal es fundamental para alcanzar registros extremos sin riesgos. Su entrenamiento de más de diez años le proporcionó conciencia muscular, control de la colocación vocal, resonancia y manejo del flujo de aire. Aunque no todos los artistas tendrán este tiempo de entrenamiento, el principio pedagógico es claro: conocer profundamente la propia voz permite ejecutar desafíos técnicos con fluidez, seguridad y éxito, y la técnica no limita la expresión, sino que la potencia.

4. ¿Qué nos enseña su historia sobre el poder del reconocimiento personal?

Ejae nos recuerda que reconocerse los propios logros es un acto de fuerza y autocompasión. Felicitarse a sí misma con un simple “lo has hecho bien” no es solo un gesto emocional; es una herramienta pedagógica: aceptar el esfuerzo, validar el progreso y consolidar la confianza para futuros desafíos. Este hábito de reconocimiento consciente potencia la motivación, refuerza la disciplina y convierte los éxitos en experiencias de aprendizaje profundas.

Los retos no llegan por azar: encuentran a quienes se preparan. Cada paso de estudio y disciplina es una semilla que florece cuando aparece la oportunidad. Aceptar un desafío con valentía y preparación nos permite descubrir lo que creíamos imposible. El reto es la puerta, pero la preparación es la llave.

 

ENFRENTAR UN SOLO: AUTOVALIDACIÓN Y MIRADA INTERNA

 ENFRENTAR UN SOLO: AUTOVALIDACIÓN Y MIRADA INTERNA

Reflexión pedagógica sobre el caso de Kevin Jonas

Por Vania Torrez de Music Vision Academy

Kevin Jonas, guitarrista de los Jonas Brothers, tiene una voz afinada, técnica sólida y años de experiencia en armonías. Sin embargo, durante gran parte de su carrera rara vez cantó como voz principal. Su primer solo destacado ocurrió el pasado 23 de agosto de 2025, durante la interpretación de “Changing” en Boston, y nos deja una enseñanza profunda sobre confianza, autovalidación y el permiso interno para exponerse: no solo es la técnica lo que define a un cantante, sino la relación que tiene con su propia voz.

1. ¿Cómo cambia la relación con la propia voz cuando llega el momento de cantar solo, después de años sin hacerlo?

Animarse a un primer solo es un encuentro íntimo con uno mismo: con los nervios, la vulnerabilidad y esa voz que durante años acompañó a otros sin ocupar el centro. En Boston, Kevin dijo al público:

“I’m super nervous, so bear with me.”

Esa sinceridad es un acto de valentía: admitir el miedo no resta fuerza, la multiplica. Los pequeños quiebres de su voz no disminuyeron la interpretación; al contrario, la hicieron auténtica, humana y profundamente conectada con la audiencia. Kevin repite este acto en Dallas, donde su nerviosismo sigue siendo evidente, reafirmando que la honestidad y la vulnerabilidad son parte esencial de exponerse.

Para un cantante, dar este paso significa validar su voz desde la honestidad y construir una relación más consciente, segura y propia con ella.

2. ¿Qué significa sostener emocionalmente a un cantante en el momento de exponerse por primera vez?

Sostener emocionalmente a un cantante es más que palabras de ánimo: es acompañarlo para que encuentre su centro, su fuerza interna, y se sienta seguro para expresarse sin juicios. Es reconocer la vulnerabilidad, los nervios, y decir: tu voz merece ser escuchada, tu emoción tiene valor, cada intento es parte de tu expresión artística.

Cuando un cantante sabe que puede sostenerse a sí mismo incluso en el momento más intenso del primer solo, la voz se despliega con autenticidad. Cada respiración, cada quiebre y cada nota se convierte en presencia genuina, conectando con quienes escuchan de manera profunda y sincera.

3. ¿Qué papel tiene el/la entrenador/a vocal en este proceso?

¿Cómo enseñamos a los cantantes a cultivar satisfacción y confianza desde el primer día, sin depender del juicio propio ni del ajeno?

El primer paso es aprender a escucharse: descubrir lo que nos gusta y reconocer lo que podemos mejorar. Lo que funciona se mantiene; lo que no, se convierte en aprendizaje. La técnica es solo una herramienta al servicio de la expresión, que debe ser auténtica y artística.

Es fundamental distinguir entre crítica constructiva y autocrítica paralizante, y decidir conscientemente qué comentarios externos integrar. Así, el cantante se centra en su voz y en el merecimiento de estar en el escenario. Exponer la voz es ofrecer nuestro arte; cuando cantamos desde la autovalidación, atraemos un público que conecta con nuestra autenticidad y los errores pasan a un segundo plano.

El confort físico también cuenta: postura, vestimenta, temperatura y espacio impactan directamente en la seguridad del cantante. Mientras más cómodo se sienta, más libre fluirá su voz. Crear un entorno seguro antes de cantar es un acto de cuidado que refuerza la confianza interna y permite que la voz se exprese con plena autenticidad.

4. ¿Qué señales internas indican que un cantante está listo para dar su primer solo, más allá de la técnica vocal?

Subir al escenario solo porque se sabe la canción o canta afinado puede resultar en una interpretación correcta, pero vacía de sentido. El momento adecuado llega cuando el cantante siente una necesidad genuina de exponerse, de ser escuchado. Esa confianza no es arrogancia; es seguridad que nace de aceptar errores, corregirlos y seguir adelante. Se trata de validar la propia expresión y aceptar que el escenario es un espacio de aprendizaje y de mostrar la voz tal como es.

Cada cantante es distinto: algunos buscan el escenario, otros prefieren el crecimiento personal en la intimidad. Como docentes, nuestra tarea es identificar estas preferencias y acompañarlas, asegurándonos de que quien elige exponerse lo haga desde la autovalidación y la responsabilidad, no desde la presión externa ni expectativas técnicas.

La autenticidad y la valentía de mostrarse tal como uno es no solo transforma la experiencia del cantante, sino que despierta en el público un deseo genuino de escuchar, emocionarse y formar parte de la experiencia, convirtiendo la música en un vínculo vivo y compartido."

Vania Torrez

CUANDO UNA VOZ SE TRANSFORMA: ACOMPAÑAR SIN IMPONER.

 

Reflexión pedagógica sobre el caso de Brian  Littrell. 

Por Vania Torrez Music Vision Academy 

Brian Littrell, miembro de los Backstreet Boys, fue diagnosticado con muscle tension dysphonia (MTD) —también conocida como disfonía por tensión muscular— y dystonia, un trastorno neurológico que afecta la coordinación entre su cerebro y sus cuerdas vocales. La disfonía se manifiesta como rigidez en los músculos que rodean las cuerdas vocales, lo que le impide respirar bien y cantar con fluidez. A menudo su voz se apaga, se quiebra o suena tensa sin previo aviso.

1. ¿Puede seguir cantando?

Desde una mirada fonoaudiológica, su condición es delicada y probablemente irreversible. La voz está en riesgo si no se detiene o transforma el enfoque. Sin embargo, no se trata de prohibirle cantar, sino de ayudarle a aceptar su nueva voz como parte de un estilo expresivo distinto. Lo que era Picasso, ahora será Van Gogh: no es menos arte, es otro arte.

2. ¿Cómo sostener su historia sin dañar su ego?

Él no necesita reinventarse para el público. Su valor no radica solo en la precisión de su voz, sino en la profundidad emocional con la que ha conectado durante tres décadas. Sus fans lo aman con errores, con quiebres, con la verdad a flor de piel. Solo necesita reconocerse en esta nueva forma de cantar, no esconderla.

3. ¿Qué lugar tiene un entrenador/a vocal en este proceso?

La guía vocal debe ser técnica, emocional y ética. El trabajo no es corregirlo como a un principiante, sino acompañarlo quirúrgicamente en cada frase melódica, redefinir la colocación, cuidar el estrés y sostener un sistema técnico a medida.

Hay que entender que no se trata de disfonía habitual ni de caprichos vocales. Hay una condición neuromuscular que implica rediseñar todo: el repertorio, los warm-ups, los arreglos y el momento escénico.

4. ¿Dónde están los límites?

No hay un límite entre cuidado humano y acompañamiento profesional. Ambos deben coexistir. Pero el cuidado humano siempre tiene que estar primero. Si un día no puede cantar, simplemente no puede. Nadie debe forzar lo que su cuerpo no puede dar.

Acompañar una voz en transformación es un acto de respeto profundo. No se trata de forzarla a ser lo que era, sino de ayudarla a descubrir lo que puede llegar a ser. Como entrenadores y cantantes, nuestra tarea no es imponer caminos, sino abrirlos. La voz cambia, el cuerpo cambia, la identidad vocal también… y en ese proceso, la escucha compasiva se vuelve nuestra mejor herramienta. Cuando dejamos de luchar contra la transformación y aprendemos a guiarla, la voz encuentra su propia verdad.

🤗

AFINACIÓN EN VOCES JÓVENES Y ADULTAS

Hablemos de las escuelas básicas de enseñanza:

Qué opinan si:

Una escuela de conducción hace una evaluación previa para saber si los postulantes pueden o no conducir. Solo acepta a los talentosos que saben conducir.

Una escuela de natación evalúa a sus postulantes para saber si tienen la aptitud de nadar. Solo acepta a los talentosos que saben nadar.

Totalmente irracional, ¿no les parece?, pero ¿porqué parece común y aceptable cuando se trata de arte?

Una escuela de baile hace una evaluación previa para saber si los postulantes saben bailar. Solo acepta a los talentosos que pueden/saben bailar.

Una escuela de canto hace una evaluación previa para saber si los postulantes saben cantar. Solo acepta a los talentosos que saben cantar o que "tienen buena voz" y no desafinan.

¿Y ahora qué opinas?

Todas la escuelas básicas de canto deberían estar pensadas para recibir a todo aquel que quiera aprender independiente de la edad o preferencia musical y esto no hace que sea una escuela informal, sino todo lo contrario. 

El ser humano tiene plena capacidad de aprender a hacer arte, porque en esencia, el arte es conocimiento. Todo está conectado a las maneras de aprender, las formas de enseñar y los métodos que se usan en el proceso. 

El reto para el maestro está en lograr resultados en cualquier alumno y no solo en los que ya saben, no se trata de hacer cantar las canciones más complejas, ni de lograr que canten más fuerte o más agudo. Se trata de lograr que el alumno encuentre un medio de expresión artística que entre muchas ventajas, tiene la capacidad de reforzar su propia identidad.

Mi pregunta es: ¿Existen problemas de aprendizaje o problemas en la enseñanza?

Estoy segura de que escucharon esto en algún momento:

- Fue al instituto "X" y el maestro dijo que no sirve para cantar.

- Su maestra de música le dijo que cante más bajito porque desafina.

- No nació con el talento de la música.

- Desafina porque no tiene buen oído, etc., etc..

Lo peor es cuando los padres lo repiten y los hijos les creen. ¿Les creíste tu?.

El arte de cantar aparece en la edad de los niños a muy temprana edad, inclusive antes de saber hablar.

Los niños cantan cuando están felices, se mueven con la música de su agrado y a medida que crecen permanece en todos los humanos. 

Si el alumno desafina, no es el fin. Es el inicio.

EL WORLDSCHOOLING Y SU APLICACIÓN EN LA EDUCACIÓN ARTÍSTICA

El worldschooling  o "eduación por el mundo" es un concepto que emerge de las prácticas de la educación en casa o "homeschooling", para mí, la educación pero con esteroides.

En su concepción plena, es la educación a través de la experiencia de vida y cultura por diferentes países. No muchas personas o familias, cuentan con las posibilidades de vivir viajando así que he diseñado algo parecido. No hay nada mejor que viajar y porqué no, de manera virtual. Conocer las calles como si estuviéramos paseando en ellas, visitar plazas, escuchar y cantar su música, conocer lo que se come, sus creencias y formas de vida profundas conectadas a su desarrollo artístico.

Visitar los países más icónicos de los continentes del mundo. Haciendo manualidades, creando instrumentos, aprendiendo a cantar y a leer música, jugando, pintando, haciendo todo a través de un visor musical, y además hacemos amigos de otras ciudades.

Son 16 sesiones que harán cambiar nuestra manera de ver el mundo y a las formas de vida de nuestros pares. 

Musicultura es el nombre de este programa  dirigido a niños de 5 a 9 años o más, porque sabemos que los padres también disfrutaremos de estos viajes. 

"Sentiré que he viajado por el mundo...."

GESTIÓN EMOCIONAL DE LA VOZ

Creo que nunca llegué a contar a través de este blog, mi experiencia personal como cantante respecto a las emociones. Usualmente manejamos las emociones como medio de expresión ante cualquier circunstancia y según contexto, y en el canto para la interpretación, pero casi nunca se tratan las emociones cuando te juegan en contra.

Nerviosismo, miedo a la crítica, cansancio, enojo, frustración. 

A los 6 años hice mi primer solo, estaba feliz y no tuve ningún miedo, realmente lo disfruté, pero  a medida que fui creciendo las críticas externas y mi propia exigencia se juntaron para hacerme sentir cada vez menos confianza. A los 20 años tuve que cantar un solo frente a casi 3000 personas y tuve la peor experiencia, estaba tan nerviosa que desafiné y eso era fatal para mi, principalmente porque mi grupo tenía muchas expectativas conmigo. 

¿Cómo me sentí?, pues fatal. Después de eso me sentí diminuta, cantar solos me traía muchos miedos.

En ese entonces no existía la información que hoy existe: ¿Cómo manejar tus emociones frente a diferentes circunstancias que hacen que no logres continuar haciendo con libertad lo que te gusta hacer?

Aquí les menciono algunos casos:

- Una madre muy trabajadora, que canta y tiene un trabajo exigente, está agotada y no puede realizar su performance con la calidad que quisiera debido al agotamiento emocional y físico.

- Un conferencista se siente nervioso antes de una actuación importante, lo que provoca tensión en la garganta, pérdida de control vocal y dificultad para respirar.

- Un líder necesita usar su voz con autoridad o persuasión, pero las emociones personales (inseguridad o dudas) afectan su capacidad de proyectar confianza y liderazgo a través de su voz.

- Un cantante ha expuesto su voz a gritos excesivos, uso incorrecto de la voz por presión emocional, etc. y asocia el uso de la voz con experiencias emocionales dolorosas o traumáticas.

 Y así tantos ejemplos que tú y yo conocemos. Son estas infinitas razones por las que la gestión emocional de nuestra voz es tan importante, no solo nos sirve para recuperar la salud vocal sino también para garantizar un rendimiento óptimo, una mejor comunicación y conexión emocional con el público que nos escucha.

 

Este taller es para todos y trataremos temas como:

-  Los efectos directos de las emociones en la voz. Entendiendo la conexión cuerpo-emoción-voz 

- Fundamentos fisiológicos de la voz.

- Fundamentos del uso correcto de la voz.

- Estrategias para manejar el estrés y la ansiedad y otras emociones.

- VOCALIZING  y MINDFULNESS y la construcción de las rutinas diarias para prevenir la fatiga vocal.

Cada clase tiene un bloque con ejercicios prácticos.

Necesitamos crear una conciencia emocional  y esta acompañada de técnicas se convierte en las herramientas clave para dominar tu voz en tu entorno de forma saludable y efectiva.

Foto: Yo,  años después de haber superado el pánico escénico. ¿Ponemos la tuya aquí?

VOICINGS Y ARMONÍA VOCAL

Mis más antiguos recuerdos sobre intentar hacer armonías al oído fueron cuando tenía quizá 8 años, escuchaba admirada cómo mis hermanas mayores ensayaban sus canciones. Entonces desarrollé un amor por la armonía vocal y coral de tal manera que al final terminaba escuchando, nunca al cantante principal, sino a las voces de fondo. 

Y sí, para desarrollar la habilidad de hacer las voces al oído lo primero que se debe hacer es DESHACER. 

Desglosar la música en la mente y entenderla. 

Por supuesto existen técnicas que resumen el aprendizaje y se adapta a cualquier edad.

¿Requisitos?, pues como básico está la afinación. Que ya se vio en anteriores cursos que sí se puede trabajar en cualquier voz. 

Al contrario de muchos otros métodos, la memoria en este caso no es un requisito. Se los digo yo que tengo una memoria muy vaga.

¿Dónde entra la pedagogía en todo esto?, ¿cómo enseño esto a mis alumnos?. Además de paciencia y método se trata de entender la manera en la que procesa la información sonora cada alumno, eso en este caso es fundamental. 

El curso de Pedagogía del Canto, Voicings y armonía vocal será justo para entender y ayudarte a que logres tus metas como docente y/o cantante. 

Como siempre cada curso está lleno de cariño 😊.

¿Cantamos a voces?

PD: Yo a los 8 años, foto del recuerdo. Si...la guitarra enorme!, pero mi deseo por hacer música también.

DIDÁCTICA DE LA MÚSICA - ¿PORQUÉ ES IMPORTANTE SI SOY UN EXPERTO INTÉRPRETE?

Escribir esta nota me trae muchos pensamientos a la mente y muchos recuerdos que de alguna manera me alertan en el camino sinuoso de la enseñanza musical.

Todos sabemos que enseñar es un camino de aprendizaje sumado a que tú y yo somos músicos cuya característica es la necesidad de interpretación y de expresión a través de nuestro arte.

Es esa mezcla que de alguna manera confunde el proceso didáctico y pedagógico de nuestra enseñanza.

Creo que estamos de acuerdo en que no basta ser un excelente músico para poder enseñar. Es un requisito básico pero no es el TODO.

En ese sentido me topé con el "así nomás se enseña", "es fácil enseñar", "no se necesita vocación para la enseñanza", "yo hago lo mismo que mi maestro hizo conmigo", etc..

Para entrar en contexto, la capacidad que aporta el aprendizaje de los conceptos básicos de la Didáctica aplicada a la música son un salto enorme hacia el éxito en el aprendizaje de nuestros alumnos.

Con esta finalidad es que el curso intensivo de Didáctica de la música está creando nuevas maneras de ejercer la enseñanza musical en las distintas regiones a las que hemos llegado y estos días estrenamos la tercera versión, pero con un  adicional esperado por muchos : Los problemas en el aprendizaje.

¿Cómo los afrontamos?, ¿Bajo la responsabilidad de quien está el 100% de la enseñanza y del aprendizaje?, ¿Cómo evaluó si la enseñanza ha sido exitosa realmente? y otras tantas preguntas.

Cada curso es un pedazo de mi historia y de mi aprendizaje sinuoso, con la finalidad de que para ustedes sea más simple y sin tantos tropiezos.

Gracias por la oportunidad!!!

SER DIRECTOR DE CORO - LO QUE NUNCA ESPERAS.

Tener a varias personas cantando frente a uno, esperando instrucciones y confiando plenamente en todas las señales, en que van al tiempo, en que sus notas son las correctas, es una responsabilidad enorme. En especial cuando la cara al público son ellos y cuando los resultados se miden no por el bonito uniforme sino por la calidad de interpretación grupal, las emociones que transmiten y su conexión con el público.

En 2008 comencé a dirigir coro gracias a la idea visionaria de una amiga. Jamás lo había considerado hasta ese momento y no estaba en mis planes como cantante. 

Ese camino que comenzó en ese entonces como algo pasajero, ha tenido ciertas pausas y cambios pero sigue hasta hoy, son ya más de 15 años.

Estamos de acuerdo en que no es lo mismo haber cantado ya en coro que comenzar a dirigir uno, aunque tengas el mejor oído, aunque leas muy bien música, por eso tendemos a repetir los errores de quienes nos dirigieron en algún momento. 

Lo que no uno no espera es que comenzar desde cero un coro es un trabajo divertido y agotador a la vez, porque al mismo tiempo de evaluar las voces y brindarles un lugar definido, se tiene que conocer a la perfección el repertorio, confiar en la capacidad de discernimiento de las voces al tiempo de corregir los errores, entender que existen personas que no memorizan con facilidad y que al principio la sección A (le pondremos letras para evitar chistes estereotipados 😂😂) se pasará a la linea melódica de la sección B y  que la sección C tiende a cantar más fuerte que todos o que la sección D pierde el ritmo. Mucho más difícil cuando es la primera experiencia o cuando te encuentras con un grupo desmotivado porque quizá el repertorio no les gusta. Lo que no esperas también es que, dependiendo de la edad promedio, tendrás algún que otro cantante súper inquieto, y tendrás al que no estudia, al que se conoce las voces de todos, al que no estudia pero que saca las armonías a la primera, al que llega tarde, al más colaborador, etc..

Por otro lado está la gran satisfacción de compartir en grupo, crear una comunidad de amigos. La camaradería coral bien fundamentada rompe con las barreras de una sociedad difícil de unir y las barreras religiosas, políticas, etc..

Que nuestros coralistas amen compartir juntos, que amen cantar y promuevan la unión a través del arte  es una tarea por la que nos debemos sentir satisfechos de lograr desde siempre.

He creado un nuevo curso de FUNDAMENTOS DE DIRECCIÓN CORAL que está dedicado con mucho cariño a todos quienes aman esta manera de ejercer el canto y les picó el bichito de la necesidad de saber más para ser mejores directores o comenzar a serlo, está dedicado a mi yo del pasado, a quien abrazo y a quien le hubiera gustado saber todo esto.

Y por si se lo preguntan:  Si!!, también les enseño a mover las manos en el tempo correcto 💓.

Abrazos!!!

LA DOCENCIA DEL CANTO Y SUS VAIVENES

Ya casi cumplo 22 años en la docencia del canto pero recuerdo muy bien las primeras clases que di.

Hice un programa de 10 clases recurriendo a mis lecciones aprendidas 😆. Copiando maneras de enseñar 🙈, tratando de explicar mis sensaciones  a los alumnos, grabando ejercicios para todos los grupos de la misma manera, replicando modelos de enseñanza, sin cuestionarlos 👎, usando métodos muy antiguos que no estaban al tanto de los estudios actuales, es decir, haciendo lo que todos hacen.

Pronto me di cuenta que no era suficiente, que los alumnos solo hacían intentos, que no practicaban en casa, que les gustaba otro repertorio, que sus diversas voces necesitaban mayor atención, que una parte del contenido de mi enseñanza era correcta pero la manera de implementación no era la adecuada.

¿Era mi vocación, o solo servía para cantar?, ¿Realmente lograba que los alumnos progresen? 😟

Pensaba: "Estoy tratando con seres humanos, cuyas voces trabajan todos los días para comunicarse cotidianamente. No puedo permitir que se dañen sus voces!. No me puedo equivocar!!!"

Hasta que encontré la respuesta: El valor que le damos a la identidad del alumno lo es todo y nos dará la dirección a seguir.

Dicen que si sabes cantar, sabes enseñar y es totalmente falso. La diversidad de estilos a los que nos enfrentamos cada que conocemos a un alumno nuevo nos saca de nuestra área de confort una y otra vez y nos confronta a reflexionar sobre nuestra vocación de enseñanza.

Está claro que si no conocemos los procesos para una correcta enseñanza, nuestra docencia será mediocre ó se quedará estática.

Cambié mi perspectiva, estudié los tópicos que me faltaban - sigo estudiando y estudiaré hasta que pueda- los probé con mi propia voz y logré hacer una implementación certera y con resultados efectivos!.

Después de todos estos años puedo compartir con ustedes esta base de conocimientos a través de los cursos de PEDAGOGÍA DEL CANTO con los temas y términos actualizados y aplicados a algunos tópicos complejos como los de recursos vocales, afinación, emisión de agudos y más.

Estoy segura que haremos la diferencia. Rompamos esquemas y seamos innovadores y descubramos todas tus aptitudes vocacionales como docente, porque enseñar es hermoso!!!

Por más arte en nuestras vidas!

 PD: Aquí unas fotitos, estas en especial, me recuerdan que lo bueno siempre llega.💓

RECURSOS VOCALES, EL GOSPEL Y SUS RETOS

En definitiva el Gospel es uno de los estilos más completos que conozco hasta hoy. Contiene parámetros técnicos elevados.  Contiene en si mismo un cúmulo de recursos vocales cuyos intérpretes logran combinarlos con gran fluidez y habilidad. Si!, es un reto de los que me gusta aprender y enseñar.

El primer taller de recursos vocales se realizó en 2018 en La Paz- Bolivia. Hoy ha llegado a muchos alumnos de otros países ♥️ !! es por eso que me siento contenta por este taller. Cada año se ha ido modificando con el fin de mejorar su contenido y hacerse más enseñable. 

¿Usas recursos vocales en tu interpretación? ¿Los haces de manera empírica? ¿Has intentado hacer algunos y no te salen? ¿Haces varias modulaciones y no sabes cómo  mejorarlas? ¿Estás buscando un nuevo reto? 

Retos! Son lo que me motiva más!. Estudié cada uno de estos recursos y lo sigo haciendo como un reto a mis propias capacidades,  y porque descubrir ese camino hace que pueda confiar 100% en la técnica que lo respalda. 

Nuevamente comparto el video del penúltimo proyecto. Grabación casera de esta interpretación en vivo del grupo que hizo el taller en 2019. 

NOTAS SOBRE EL ESTILO GOSPEL

Llevo más de 30 años tras los pasos de muchos cantantes y coros gospel, de hecho una de las primeras grabaciones profesionales que hice fue en ese estilo, el primer taller con mi proyecto MUSIC VISION fue en recursos para el gospel, el primer coro que dirigí y co-fundé en 2008 fue HOREB GOSPEL CHOIR. Debo reconocer, el Gospel ha cautivado mi mente, mi estilo y ha alimentado mi búsqueda insaciable de conocimiento del canto y mi fijación en profundizar en las técnicas de su ejecución. No desestimo los demás estilos, es solo que para mí ha significado demasiado como desarrollo personal y vocal.

Cantando gospel hice amigos y alumnos entrañables, eso también ha marcado la dirección de mi carrera como docente.

En el camino de la investigación de este estilo existen diferentes parámetros interesantes que se podrían estudiar a profundidad: Armonía, técnica vocal específica del estilo y el efecto psico-social y artístico en sus intérpretes.

Su contenido primordial es religioso, se ancla en la fe, en la salvación, en los mejores días. A partir de este estilo se detonaron otros como el blues, los Espirituales, R&B, Soul, etc. y se ha extendido a otras regiones del mundo con denominativos como el "white gospel" (sin ser peyorativo) y el gospel africano.

Los efectos en sus intérpretes son impresionantes. Si alguna vez has cantado gospel, sabes que llega hasta la médula. Si alguna vez lo has escuchado y te hace la piel de gallina es justamente porque la capacidad interpretativa del cantante se multiplica al cien y la comparte contigo. 

Aquí les dejo un ejemplo del proyecto de 2018 y 2019, estamos cantando en vivo sin efectos extras y con mucha concentración. Por supuesto el agradecimiento a estos maravillosos cantantes que se han unido a la locura.

 

Vania Torrez

Vania Torrez de nacionalidad boliviana, actualmente cursa la Maestría en Neurociencias en la Universidad Nacional Arturo Jauretche cohorte 2026 en convenio con CONICET en la Prov. Buenos Aires. Realiza a la par el curso de Neurociencias: Lenguaje, audición y música con la Université de Montréal & Université libre de Bruxelles (BRAMS).

Cuenta también con una diplomatura en Arte y Educación (Universidad Nacional de San Martín Bs.As). 

Ingeniero y músico, docente de canto con 24 años de experiencia, Vocal Coach y NLP coach certificado. 

Solista y background singer de varios discos, experimentada en arreglos corales, compositora y directora de coros con estudios propios e investigaciones sobre temas de fonoaudiología. Trabajó en instituciones como el CENTRO CULTURAL DE LOS KJARKAS y la afamada ESCUELA CONTEMPORÁNEA DE MÚSICAS , co-fundadora de los coros HOREB GOSPEL CHOIR Y CORO IEU JOVEN y el ensemble THE FEELING SISTERS, además de ser docente titular de canto de muchas iglesias cristianas y católicas en la ciudad de La Paz y de cientos de alumnos en Bolivia, y otros países de Norte y Sudamérica. 

Fundadora y directora del proyecto MUSIC VISION PROJECT the online ACADEMY en 2018, directora del MUSIC VISION Gospel Choir y creadora del método @MusicVisionMethod desde 2018 con el fin de renovar la enseñanza del canto e implementar todas sus investigaciones y conocimientos adquiridos como vocal coach. 

Music Vison Project actualmente ofrece entrenamiento musical y capacitación complementaria también para docentes y en 2024 se han entrenado a más de 170  maestros en las áreas de Didáctica de la Música, Pedagogía del Canto en temas especializados como: afinación, armonía intuitiva, patologías de la voz, recursos vocales y dirección coral. Este proyecto es de alcance internacional, con alumnos satisfechos. Ha desarrollado también el proyecto de MUSICultura dedicado a niños desde 2019. Casada con Javier Jironda y madre de Valkiria Nicole ahora radica en Argentina Prov. Buenos Aires.